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Ric Ocasek, líder de The Cars, fue encontrado sin vida este domingo 15 de septiembre, en su apartamento de Nueva York. Ocasek, quien tenía 75 años, murió de una enfermedad cardíaca, según la pericia médica que se le hizo.
Había nacido en Baltimore y a los 16 años se estableció con su familia en Cleveland. Allí conoció a Benjamin Orr, con el que tocó en varios grupos. En 1976 formó una nueva banda, The Cars, en la que ejerció de cantante, guitarra rítmica y compositor. La formación la completaban Orr al bajo, Elliot Easton a la guitarra, Greg Hawkes a los teclados y David Robinson a la batería.
The Cars debutaron en 1978 con un primer álbum que incluía singles de éxito como “Just what I needed”, “My best friend’s girl” o “Good times roll”. El éxito de The Cars continuó en la siguiente década, hasta su disolución en 1984.
Ocasek publicó siete álbumes en solitario, el último, Nexterday, en 2005. Además colaboró con músicos como Alan Vega o Billy Corgan y produjo a grupos como Weezer, Bad Brains o Guided By Voices.
Ocasek y The Cars fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2018.

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  • COPETE A los 75 años
  • TEMATICA Música
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Este miércoles 28 de agosto falleció Jorge "Cocina" Márquez, histórico director murguero de dilatada trayectoria en nuestro carnaval, identificado con el emblemático estilo de La Unión.
Cocina estuvo en La Clásica, Los Patos Cabreros, La Milonga Nacional, La Gran Farola, Los Pierrot´s, Línea Maginot, Don Timoteo, Saltimbanquis, Arlequines, Colombina Che, La Soñada, Araca la Cana y Los Diablos Verdes, según reporta Calle Febrero.
También participó como arreglador coral en la categoría de parodistas y revistas.
Cocina era hermano de otro gran carnavalero: Juan José "Cocina" Márquez, uno de los máximos referentes históricos de Los Patos Cabreros.
"Swing y murga: mi profunda admiración y respeto eterno", escribió sobre el artista Edú Lombardo.

Fuente: DAECPU

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  • COPETE El Carnaval de luto
  • TEMATICA Sociedad
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Woodstock. Cuando se escucha ese nombre, uno piensa inmediatamente en el festival de música que se convirtió en uno de los momentos más icónicos de la cultura contemporánea… y no en la pequeña localidad de 171 kilómetros al norte de la ciudad de Nueva York que recibe ese nombre.
El evento, que se prolongó durante cuatro días en una granja lechera hace 50 años, aún genera acalorados debates en Estados Unidos y alrededor del mundo sobre el lugar que debe ocupar en la historia.
Oficialmente denominado la Feria de Arte y Música de Woodstock, el evento fue organizado por un grupo de cuatro empresarios, liderados por el promotor Michael Lang.
El grupo se mostró dispuesto a financiar el evento a la luz del éxito de acontecimientos similares que empezaban a aparecer en Estados Unidos y Europa, como el Festival Internacional de Música Pop de Monterrey, que en 1967 logró reunir a una espectacular lista de grupos y artistas, entre ellos Simon & Garfunkel, The Who o Jimi Hendrix.
Lang y el resto de empresarios imaginaron un evento para 200.000 personas, e incluso después de que en la venta anticipada se vendieran 186.000 entradas a US$18 (alrededor de US$120 al cambio de hoy), no pensaron que mucha más gente acudiría.
De hecho, su objetivo era ya de por sí mucho más ambicioso que anteriores eventos. Monterrey, por ejemplo, tuvo muchos menos asistentes.
Solamente entre 7.000 y 10.000 tuvieron acceso al recinto donde se tocaba la música.
Se estima que 500.000 personas asistieron a Woodstock, que curiosamente se celebró en una granja lechera en la localidad de Bethel, 70 kilómetros al suroeste de la localidad que lleva ese nombre.
El enorme número de gente convirtió el festival, en un principio pensado como una iniciativa de la que sacar beneficio económico, en un concierto gratuito.
Para hacerse una idea de la enorme cantidad de público que acudió, un dato: por unos momentos, el lugar donde se celebró el evento se convirtió en la tercera ciudad más poblada en el estado de Nueva York.
En 1969, los estadounidenses estaban profundamente divididos. Había un creciente malestar causado por la guerra de Vietnam y tensiones raciales que provocaron revueltas en 125 ciudades el año anterior, tras el asesinato de Martin Luther King.
Pese al pánico que invadió a los organizadores y a las autoridades cuando el área de Woodstock preparada para el festival se abarrotó de gente, el evento destacó por su ambiente pacífico.
Se registraron tres muertes: dos por sobredosis de drogas y otra se produjo cuando un espectador, que estaba durmiendo, fue atropellado por un tractor en un campo de heno cercano.
Las cuestiones logísticas no ocasionaron grandes problemas, lo que ayuda a explicar por qué Woodstock destacó.
Varios meses después, la violencia se desató en el Festival Altamont Speedway Free, un evento de California con los Rollings Stones como cabeza de cartel, en el que un asistente fue acuchillado y murió frente al escenario.
Pero, además de sus grandes números y su buen clima, la fascinación por Woodstock también recae en gran parte en el documental oficial grabado durante el encuentro.
Dirigido por Michael Wadleigh y editado por un equipo que incluyó a -entonces- quien se convertiría en uno de los pesos pesados de Hollywood, Martin Scorsese, el filme fue un tremendo éxito comercial, convirtiéndose en la quinta película más taquillera de EE.UU. en 1970.
También ganó el Oscar a Mejor Documental en 1971.
También ayudó que los organizadores de Woodstock lograran un cartel lleno de estrellas: Hendrix, The Who, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash & Young estaban entre los nombres de artistas más destacados.
Hendrix, de hecho, protagonizó uno de los momentos más icónicos del festival, gracias a su magnífica interpretación con la guitarra del himno nacional de Estados Unidos, “The Star Spangled Banner”.
Algunos grupos que eran menos conocidos internacionalmente en la época también acapararon los focos: el legendario Carlos Santana, entre otros, impulsó su carrera gracias a su actuación en Woodstock.
Pese a que no habrá un segundo Woodstock, la marca del festival sigue estando en auge.
El comercio de productos vinculados con el festival original generan ventas de al menos US$ 20 millones al año, según la empresa que ha gestionado la mercadería de Woodstock durante 15 años, Epic Rights.
Y este año se espera que las ventas lleguen a los US$100 millones por la redonda efeméride: 50 años de éxitos.
Fuente: BBC

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  • COPETE 50 años no es nada
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El uruguayo George Hilton, leyenda del spaghetti western, falleció a los 85 años. La noticia fue comunicada a través de la cuenta de Facebook del actor por su pareja, Gabriela, que no reveló las causas de la muerte.
Su verdadero nombre era Jorge Gil Acosta y Lara: había nacido en Montevideo en 1934. Luego de dar sus primeros pasos en el teatro uruguayo en salas como El Tinglado y El Circular, en 1955 emigró a la Argentina.
“Montevideo me quedaba un poco chico porque no había todavía ni televisión ni cine, y me fui a Buenos Aires a probar suerte”, contó en el programa Buen día Uruguay en 2016, cuando en el Festival de Punta del Este se le hizo un homenaje.
Bajo el seudónimo Jorge Hilton, en Argentina trabajó en obras de teatro, telenovelas y en películas como Alto Paraná, El bote, el río y la gente o La procesión. Hasta que en 1963 volvió a emigrar: “El destino me llevó a Italia. Me venía escapando de una situación sentimental muy pesada. Dije ‘voy a comprar cigarrillos’ y no volví nunca más. Fui a Ezeiza, vi que salía un vuelo a Milán, saqué un pasaje y me fui para allá”.
Vivió en Génova y Roma, donde se sumó a la floreciente industria cinematográfica italiana ya con el nombre artístico George Hilton. Ahí trabajó en decenas de películas, en su mayoría spaghetti westerns y giallos. La que lo lanzó a la fama fue Tiempo de masacre (1966), de Lucio Fulci, con Franco Nero.
“Yo andaba muy bien a caballo, porque en Uruguay teníamos estancias. Entonces yo hacía de un borrachín que iba a caballo, disparaba y los mataba a todos, y eso a la gente le encantaba: en los cines aplaudían. Así que empezaron a escribir películas para mí”.
Se convirtió en una de las figuras del spaghetti western, con una popularidad que cruzó las fronteras gracias a personajes como Sartana (Vende la pistola y cómprate la tumba, 1970) o Allelujah (Y ahora le llaman Aleluya, 1971).
“Hasta que dije ‘hay que cambiar piel, no puedo hace siempre westerns, yo que vengo del teatro’. Entonces acepté hacer los famosos giallos, policiales, como La cola del escorpión, que para mí es mi mejor papel, Mi querido asesino o Coartada en disco rojo, con Fernando Rey, en España”.
Luego de alcanzar un pico de ocupación en los años ’70, en las décadas siguientes sus trabajos se fueron espaciando. Su última película estrenada es el telefilme Un coccodrillo per amico, de 2009.

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El actor holandés Rutger Hauer, a quien su actuación en la película de ciencia ficción de 1982 'Blade Runner' elevó al olimpo interpretativo, falleció el 19 de julio a los 75 años tras una corta enfermedad, informó su agente.
Hauer participó en más de 100 películas holandesas e internacionales. Logró un Globo de Oro en 1988 por su papel en 'Escape from Sobibor'. También destaca su interpretación en la producción de Hollywood 'Lady Halcón'.
El agente de Hauer, Steve Kenis, dijo que el actor murió el 19 de julio en su casa en los Países Bajos tras una breve enfermedad. Su funeral tuvo lugar este 24 de julio.
Hauer se hizo famoso en los años 70 por sus películas 'Delicias turcas' (1973) y 'Eric, oficial de la reina' (1977).
Más tarde se mudó a Hollywood, donde desempeñó un papel memorable como el replicante Roy Batty de la película 'Blade Runner' de Ridley Scott, y el de John Ryder en el filme 'The Hitcher' (Carretera al infierno).

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El director de cine y escenógrafo italiano Franco Zeffirelli murió este sábado a los 96 años en Roma, anunció Dario Nardella, alcalde de Florencia, ciudad natal del artista, al que calificó como "uno de los grandes hombres de la cultura mundial".
El director se inició en el mundo del cine de la mano de Luchino Visconti, como ayudante de dirección en tres de sus mejores películas: "La terra trema" (1947), "Bellissima" (1951) y "Senso" (1952), donde confiesa que nació su pasión por el séptimo arte.
Zeffirelli dirigió clásicos como "La boheme" (escenificación de la ópera de Puccini, en 1965); "La fierecilla domada" con Richard Burton y Elizabeth Taylor 1966; "Romeo y Julieta" con Michael York y Laurence Olivier (1968); "Hermano Sol, hermana Luna" (1971); "Campeón" con Jon Voight, Faye Dunaway y Nicky Schrodeer (1978); "Amor sin fin" con Broke Shields (1981) y "Té con Mussolini" (1999), en la que relata su infancia.
Mantuvo una gran amistad que con la soprano María Callas, a quien la dedicó la película "Callas for ever" (2002) y que confesó fue la única mujer de la que estuvo enamorado.
Declarado homosexual, relató en una biografía publicada cuando tenía 83 años su gran amor por Visconti.
Entró en el Parlamento de la mano del partido de Silvio Berlusconi, Forza Italia, y se confesaba conservador por "desesperación anticomunista".
Nació el 12 de febrero de 1923 en Florencia. A su padre solo lo conoció después de la muerte de su madre, Adelaide Garosi, que apasionada de Mozart, quiso darle al niño el nombre del aria de Idomeneo (Zeffiretti), pero el funcionario del registro civil se equivocó y escribió Zeffirelli.
Su madre murió siendo niño y se crió entre mujeres. La niñera, que era inglesa y se llamaba Mary, le enseñó inglés y le inculcó la pasión por Shakespeare.
También fue muy activo en el mundo del teatro y de la ópera como director escénico e incluso diseñador de vestuario. En 1959 dio el gran salto al Covent Garden de Londres, con las puestas en escena de "Pagliacció y "Lucia de Lammermoor".
Como director teatral realizó muchas óperas en los principales teatros líricos de Austria, Alemania, Inglaterra y Estados Unidos, además de los dos principales coliseos italianos, La Scala y la Opera de Roma y en la Arena de Verona.
Para la televisión filmó "Jesús de Nazaret" (1977), en varios episodios rodados en Marruecos y Túnez, y que contó con la aprobación de la Iglesia y el rechazo del Partido Comunista italiano; "Días de destrucción" (1966), y "Fidelio" (1970) y la "Misa Solemnis" (1971), de Beethoven.

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En un bar de un barrio de Lisboa con banquetas de madera, un piano desafinado y guitarras colgadas en las paredes se oye fado, morna de Cabo Verde, bossa nova brasileña o una delirante fusión de todo y más. Este escenario sirvió de inspiración para Madonna al crear su nuevo álbum, que será lanzado el 14 de junio.
"Mi inspiración para mi nuevo álbum nació aquí, en Lisboa, en el Bar Tejo", dijo Madonna en su cuenta de Instagram. El río Tejo es la forma portuguesa del Tajo español.
Es un bar íntimo en una plaza del barrio de Alfama. El entorno cambia cada noche dependiendo de las improvisaciones de los músicos que se presentan ante un público integrado por los portugueses, turistas, estudiantes, escritores, pintores, etc.
Seducida por esta mezcla musical, la reina del pop ha creado una obra llamada "Madame X", inspirada en las noches de Lisboa y artistas que se reunieron en la capital portuguesa, donde en 2017 estableció una residencia temporal.
Madonna se trasladó a Lisboa para permitir que David Banda, uno de sus cuatro hijos adoptados en Malawi, entrase en la Academia de fútbol Benfica.
Su rutina de madre, que oscilaba entre el colegio y los entrenamientos de fútbol en una ciudad en la que no tenía amigos, acabó privándola "un poco", confesó la cantante de 60 años al canal MTV.
Al frecuentar la clientela del Bar Tejo, se encuentra "un crisol de culturas musicales" en Lisboa, que fue la capital de un imperio colonial que incluye Brasil, Angola y Mozambique. "Proponer un espacio que inspira a artistas como Madonna me llena de alegría", declaró con orgullo a la agencia France Press Mira Fragoso, una ex actriz brasileña copropietaria del bar, escenario de encuentros improbables como lo que ocurrió entre Madonna y un pianista brasileño de 33 años, João Ventura. "Esa noche estaba sentada en un rincón", recuerda el pianista. A pedido de un amigo, tocó una canción de bossa nova a la que incorporó la sonata Claro de Luna de Beethoven. "Al día siguiente me llamó para decir que me había gustado y me propuso que la acompañara en un show en Nueva York", cuenta el músico a la AFP. Después de tres ensayos con Madonna, la acompañó al piano en tres canciones interpretadas en 2018 durante el Met Gala.
Dino D'Santiago, un cantante de origen caboverdiano que que representa muy bien esa Lisboa mestiza y que canta en portugués y en crioulo, guió a Madonna por los callejones y esquinas de Alfama. "Esta diversidad cultural no se limita a los guetos, está en todas partes", dijo a la AFP este cantante de 36 años, lo que indica que Lisboa vive una efervescencia artística excepcional. "Ella hizo que ella descubriera la orquesta de "batucadeiras ", un grupo de cantantes y percusionistas caboverdianas que él creó hace un año. Algunas acompañarán a la reina del pop en su gira.
Dino D'Santiago también le presentó a Kimi Djabaté, un músico de Guinea-Bissau que desciende de los trovadores mandingas. "A veces sólo me dice" “Toma tu guitarra "y nos quedamos en algún lugar con otros artistas", declara este hombre de 44 años que grabó "Ciao Bella", una 'bonus track' de "Madame X". Una noche en la discoteca africana B.Leza, Madonna conoció a Blaya, una cantante y bailarina con el cuerpo cubierto de tatuajes y cuya canción "Faz gostoso" aparece en el nuevo álbum.
Vania Duarte, de 34 años, también se benefició de la visibilidad que Madonna dio a muchos artistas lisboetas. La cantante de fado de 34 años se presentó varias veces para la artista en la Casa de Linhares. Aunque Madonna fue recibida con los brazos abiertos por músicos lisboetas, también suscitó polémicas, como cuando las redes sociales arremetieron contra el ayuntamiento, acusado de alquilar para ella un estacionamiento de 15 plazas por un precio inferior al del mercado. En la ciudad de Sintra, al oeste de Lisboa, se prohibió la entrada de un caballo en una mansión del siglo 19 para la grabación de un videoclip. "Hay cosas que el dinero no puede comprar", comentó el alcalde Basilio Horta, citado por el semanario Expreso. El gobierno socialista extendió la alfombra roja a la reina del pop, que obtuvo un permiso de residencia especial previsto para los extranjeros que representen "un interés público", según varias fuentes. En un país que aprovecha que está de moda para desarrollar el turismo, Madonna es una "formidable tarjeta de visita", declaró a la radio Antena 1 en 2017 la secretaria de Estado de Turismo, Ana Mendes Godinho.

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Miguel «Pendota» Meneses, el actor más premiado de la historia de carnaval, murió en Montevideo el sábado 18 de mayo, en Montevideo, informó Daecpu a Calle Febrero.

 


El artista fue el intérprete de varios personajes memorables en su extensa carrera de más de cinco décadas, donde compuso actuaciones que marcaron una época, junto a los principales referentes del género de todos los tiempos:

 

Mario Fosatti, Buby Benítez, Miguel Villalba, Aldo Alfonso, Pinocho Sosa, Daniel Sastre, Pepi García, Ricardo Correa, Horacio Rubino, Aldo Martínez, Pichu Straneo, Carlos Nípoli, Víctor Cocina, Jorge Medina, Ricardo Aulet, Fabián Villalba, Javier Fernández, Fernando Serra, Cacho Denis, Ricardo Gaitán, Maximiliano Orta, Nino Ibáñez, Gustavo Maritato, Marcos Cabrera, Martín Perrone, Federico Pereyra o Fernando Couto, entre tantos de una extensísima lista.

 


Participó en en cuatro de las cinco categorías del carnaval -murgas, humoristas, revistas y parodistas- ganando una veintena de coronas, cinco distinciones como Figura Máxima de Carnaval y una como Figura de Oro, un reciente galardón que otorga el jurado a las personalidades sobresalientes.

 


Semanas atrás, la Junta Departamental de Montevideo propuso su nombre para ser declarado Ciudadano Iluste, distinción que fue ratificada por el Departamento de Cultura el pasado 4 de abril.

 


Entre las máximas premiaciones individuales sobresalen las obtenidas por sus personajes de Gandhi (Gaby´s,1984), William de Baskerville (en la parodia El Nombre de la Rosa, de Momosapiens, 1992) y Gardel (Valentinos, 1996).

 


Pendota fue un nadador amateur y destacado futbolista en su juventud. Adquirió el oficio de lustrador de muebles, en el que trabajó toda su vida.

 


Debutó en la categoría de murgas en 1964, con Don Bochincne y Compañía.

 


A finales de los años sesenta pasó a Palán Palán, la revista de la familia García, que es la más ganadora de la historia, donde obtuvo los primeros premios de 1967 y 1968. En 1970 salió en Comediantes Rítmicos.

 


La década siguiente estuvo marcada por la irrupción de Los Gaby´s, de los que fue fundador junto a figuras como Mario Fossatti, Aldo Alfonso, Alejandro “Buby” Benítez y Miguel Villalba.
Allí obtuvo los primeros premios de 1973, 1974, 1975, 1976, 1978, 1979, 1981, 1989 y 1990.

 


En el grupo dirigido por José “Tucho” Orta representó las parodias Juan Salvador Gaviota (1978) y Gandhi (1984), las dos obras más aclamadas del grupo de La Comercial.

 


En la última entrevista radial, concedida a Calle Febrero, Pendota dijo que «si bien Juan Salvador Gaviota fue la parodia más importante de la historia Los Gaby´s (…) la mayor emoción sobre un escenario fue con Gandhi», saldando así una difícil elección que aún divide a los referentes de ese grupo.

 


Su carrera continuó en Momosapiens, donde participó en otras representaciones imborrables: El nombre de la Rosa (1992), El Avaro (1993), Bill & The Kid (2000), Salvando al Soldado Ryban (2000), La Madre Teresa (2001) y El Hombre Elefante (2001).

 


Entre sus dos períodos con los parodistas de Horacio Rubino, el actor realizó otras dos incursiones que le valieron amplio reconocimiento, con participaciones en Los Dundee´s (1994 y 1995). Allí protagonizó y escribió las parodias Rey Lear (1994) y La Tempestad (1995).

 


Con esta última obtuvo el primer premio.
Pero la década del noventa también fue de altísimo reconocimiento, esta vez con el grupo dirigido por Miguel Villalba, Carlos Viana y Gervasio Pratis, Valentinos, dónde actuó obras del quilate de Gardel, Amada Inmortal, Evita y Obdulio, entre 1996 y 1998.

 


Años más tarde estuvo en grupos como Nazarenos, Los Crazy´s, Zíngaros, Gurrumines, Los Klaby´s, Caballeros, Los Muchachos y Aristophanes.

 


Sus incursiones en otras categorías incluyen presentaciones en Sociedad Anónima, el grupo de humoristas maragato con el que ganó en 2015.

 


También estuvo en las Arlequines, ganando el primer premio de 1985 compartido con Saltimbanquis y La Nueva Milonga.

 


Su participación en murgas se completa con un año en Los Nuevos Saltimbanquis (1986).

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Doris Day falleció este lunes a los 97 años en su casa en Carmel (California) por complicaciones derivadas de una neumonía, ha informado su fundación para el cuidado de los animales. Hizo 39 películas, pero su labor en televisión, sus discos, y la buena selección que hizo de esos filmes le granjearon una popularidad extraordinaria, que le llevó a trabajar con maestros como Michael Curtiz o Alfred Hitchcock.

 


Nacida en 1922 en Cincinnati (Ohio), como Doris Mary Ann von Kappelhoff , era hija de descendientes alemanas. ,La carrera de Day despegó en la canción: en las dos décadas transcurridas entre 1947 y 1967 grabó más de 650 temas y 29 álbumes de estudio. Su padre fue profesor de música y organista y él impulsó la pasión de Day por la canción.

 


Barney Rapp, director de orquesta para el que trabajaba cuando tenía 15 años, le propuso que se cambiara el nombre y adoptara el de Day porque el suyo era poco comercial. Como vocalista del grupo Les Brown & His Band of Renown grabó la canción Sentimental Journey, que se convirtió en un himno para los estadounidenses de la Segunda Guerra Mundial y catapultó su carrera: en 1946 ya era la cantante mejor pagada del mundo gracias a su contrato con Columbia Records e inició su carrera en el cine.

 


La noche antes de dejar Nueva York, donde residía, para irse de gira, en una fiesta se atrevió a entonar Embraceable You, de los Gershwin, y allí la escuchó Michael Curtiz, que le pidió que hiciera una prueba de cámara para su siguiente proyecto, Romanza en alta mar. Así entró Day por la puerta grande de Hollywood. Contratada por Warner Brothers hasta 1954, fue enlazando películas a su medida como Mi sueño eres tú, El trompetista –donde coincidió con otra leyenda aún viva de Hollywood, Kirk Douglas-, Té para dos u Operación matrimonio, casi siempre a las órdenes de David Butler, que sabía exprimir su talento musical.

 


Sin embargo, a Day le gustaban los riesgos. Así llegó El hombre que sabía demasiado (1956), con la que Alfred Hitchcock hizo en Hollywood un remake de su propio thriller británico y en la que Day cantaba ¿Qué será, será?, tema que ganó el Oscar a la mejor canción y en una de las baladas más famosas de la carrera de su intérprete. Hitchcock sacó partido de la canción, aparentemente inocente, para transmitir un mensaje entre los protagonistas del thriller. Fue en esta película, al ver cómo se trataba a los animales, cuando se despertó en Day su militancia en contra del abuso animal, contra el que en 1978 montaría su propia fundación

 


Day volvió a la comedia ligera y musical, con la que obtuvo repetidos éxitos en la década de los sesenta. Sin embargo, su única candidatura al Oscar la obtuvo con Confidencias de medianoche junto a Rock Hudson.
Su estilo pizpireto no sobrevivió al terremoto del Nuevo Hollywood. En 1968, rodó su última película, El novio de mamá, y empezó su programa de televisión The Doris Day Show, que se mantuvo en pantalla hasta 1973.

 


El pasado mes de abril, por su 97º cumpleaños, Day concedió una entrevista en la que confesaba cuánto añoraba a Hudson, su sorpresa por el cariño que aún recibía de sus fans y su irreductible pasión por la defensa de los animales.

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