La batería de Peter "Ginger" Baker dejó de tocar. El cofundador, entre otras, de la banda Cream junto a Eric Clapton, perdió la vida a los 80 años de edad, según informó este domingo su hija Nettie.
Baker es reconocido tanto por su talento innovador como por su difícil carácter, también militó en los grupos de Blind Faith, Hawkwind y colaboró con el músico nigeriano Fela Kuti durante su larga y controvertida carrera.
Peter "Ginger", apodado así por su llamativa cabellera pelirroja, se comenzó a conocer en la escena musical de Londres de los años sesenta en clubs de la capital británica, tocando con grupos de jazz como Terry Lightfoot y Acker Bilk.
No obstante, fue su peculiar estilo con la batería, demasiado agresivo en ocasiones para la sutilidad del jazz convencional, que le llevó a experimentar con el blues y el rock, géneros que le unieron para la posteridad con el bajista Jack Bruce y Eric Clapton.
Juntos formaron Cream en 1966 y añadieron también un toque psicodélico a la banda, creando un sonido único en temas clásicos como "Strange Brew", "Sunshine of Your Love", "Badge" y "I Feel Free".
Cream llegó a vender más de 35 millones de copias y se les concedió el primer disco de platino de la historia por el doble álbum "Wheels of Fire".
La banda se separó en 1968, entre otros motivos, por la mala relación que mantenían Peter y Jack, quienes llegaron incluso a las manos en alguna de sus legendarias y volcánicas actuaciones en directo.
A pesar de su fuerte temperamento, Clapton volvió a contar con el baterista para formar en 1968 el grupo Blind Faith, en el que también entró Steve Winwood y Rick Grech.
El cuarteto solo duró un año más y tras publicar un álbum de gran éxito de crítica y comercial, titulado "Blind Faith", Baker fundó Air Force, una superbanda de diez miembros con la que dio rienda suelta a su interés por el jazz y los ritmos africanos.
Ese nuevo estilo le llevó en 1971 en la capital de Nigeria, Lagos, donde instaló un estudio de grabación para colaborar junto al cantautor Fela Kuti en la creación de dos discos.
"Ginger" Baker ingresó en 1993 en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Cream.

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José Rómulo Sosa Ortiz, conocido artísticamente como José José murió este sábado 28 de septiembre de 2019. El Príncipe de la Canción falleció a los 71 años de edad, en un hospital al sur de Florida, Estados Unidos, tras meses de permanecer alejado de los reflectores debido a complicaciones de salud, derivadas de cáncer de páncreas.
Hijo del tenor de la Ópera Nacional de México, José Sosa Esquivel, y la concertista de piano, Margarita Ortíz, José Rómulo Sosa Ortiz —su nombre completo— nació el 17 de febrero de 1948. El intérprete comenzó su carrera tocando la guitarra y cantando en serenatas durante su juventud. Más tarde se unió a un trío de jazz y bossa nova en el que cantaba y tocaba el bajo y contrabajo.

José José grabó su primer disco de estudio a fines de los años 60, el cual incluía temas como “Sólo una mujer”, “Cuidado”, “Pero te extraño” y “Sin ella”. Comenzó a probar las mieles del éxito con el lanzamiento en diciembre de 1969 de “La nave del olvido”, canción con la que comenzó a ser reconocido por el público. Sin embargo, el gran éxito llegó a su vida a la edad de 22 años, cuando representó a México en el segundo Festival de la Canción Latina (hoy conocido como Festival OTI) el 25 de marzo de 1970. A pesar de haber conseguido sólo el tercer lugar en la competencia, su magistral interpretación del tema “El triste” lo catapultó de manera internacional. Para 1971 José José ya había lanzado su cuarto álbum, Buscando una sonrisa, que además sirvió como título de su primera película.

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Este sábado 28 de septiembre a partir de la hora 13, se realizará la segunda edición de Montevideo Tango. Se contará con la presencia de más de 200 artistas de la música y la danza de Uruguay y Argentina, y será transmitido en vivo por TV Ciudad.
Este año, el festival se enmarca en la celebración de los 10 años del tango como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
Las actividades se desarrollarán el sábado 28 de setiembre desde la hora 13 en las inmediaciones de la plaza Matriz, finalizando sobre la madrugada del domingo.
Montevideo Tango contará con un escenario destinado a los espectáculos musicales y un espacio para la milonga, con diversos artistas locales y de la región en escena.
Además, por primera vez acompañará al festival la feria gastronómica “DGUSTO” que tendrá en cuentas las diferentes opciones que la ciudadanía quiere o puede consumir a lo largo de la jornada en sus excelentes variedades.
Con la realización de este importante festival, que en su primera edición convocó a más de siete mil personas, Montevideo vuelve a consolidarse como ciudad matriz del tango.
Montevideo Tango forma parte de los Festivales por la Convivencia e integra el Plan Estratégico de Tango que lleva adelante la Intendencia de Montevideo.
El público podrá acceder en forma gratuita a dispensadores de agua potable.
La Junta Departamental de Drogas contará con un stand donde habrá actividades de información, prevención, gestión de riesgos y reducción de daños.
El Departamento de Desarrollo Ambiental de la Intendencia de Montevideo tendrá un espacio educativo, que funcionará en el horario de 13 a 21. Allí se podrá aprender a clasificar residuos y producir compost.
También se regalarán bolsas reutilizables. Habrá recipientes diferenciados para clasificar durante el evento
Grilla de actividades
Escenario
15:15. Orquesta Típica Randolfo.
16:25. César Salgán – Hugo Rivas + BDA.
17:25. Proyecto Caníbal Troilo.
18:15. Néstor Vaz Quinteto.
19:05.Ricardo Olivera – Hugo Satorre – Emiliano Frayna.
20:00. Sexteto Típico Bohemio.
20:50. Laura Canoura.
21:45. Guitarras Montevideanas.
22:35. Francis Canta Jaime Roos.
Espacio Milonga
13:00. Barullo Bandoneón.
13:45. La Callejerita (Tango Para Niños).
14:30. Programa Esquinas de la Cultura.
15:55. Federico Remualdi – Magdalena Pucurull.
16:15. Lucía Caldes – Rodrigo Horjales.
17:05. Cátedra De Bandoneón De La Emva.
17:55. Mayte Bachmann – Juan Macedo.
18:05. Lorena González – Gastón Camejo.
18:45. Tributo a la música uruguaya – Coreografía Mario Morales.
19:35. Colectivo Tango Queer.
19:50. Dúo Contrabajos (Jorge Pi – Fernando Sánchez).
20:30. Natasha Lewinger – Haris Mihail.
20:40. Esteban Cortez – Virginia Arzuaga.
21:30. Crónica de una fulana – Dirección Rodrigo Fleitas.
22:15. María Noel Sciuto – Rodrigo Fleitas.
22:25. Hugo Satorre – Emiliano Faryna.
23:05. La Cumparsita (Versión Candombe Yambo Kenia).
Espacio Catedral
14:00. Las Bandoneonas.
14:40. Luis Di Matteo.

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La Academia Latina de la Grabación dio a conocer las candidaturas para los Latin Grammy, que se celebrarán el próximo 14 de noviembre en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas, Estados Unidos.
Tres artistas uruguayos están nominados en diferentes categorías: el Cuarteto de Nos, Hugo Fattoruso y Gustavo Cazenave.
Al premio de "mejor álbum de jazz latino" está nominado Hugo Fattoruso, que junto a Tomohiro Yahiro produjeron el disco "Dos orientales".
Además, el pianista Gustavo Cazenave está nominado en la categoría de mejor álbum instrumental por "Balance".
En la categoría “mejor canción de rock” se encuentra nominada “Punta Cana” de El Cuarteto de Nos, donde compiten, entre otros, Andrés Calamaro, Rodrigo Crespo y Enrique Bunbury.

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Ric Ocasek, líder de The Cars, fue encontrado sin vida este domingo 15 de septiembre, en su apartamento de Nueva York. Ocasek, quien tenía 75 años, murió de una enfermedad cardíaca, según la pericia médica que se le hizo.
Había nacido en Baltimore y a los 16 años se estableció con su familia en Cleveland. Allí conoció a Benjamin Orr, con el que tocó en varios grupos. En 1976 formó una nueva banda, The Cars, en la que ejerció de cantante, guitarra rítmica y compositor. La formación la completaban Orr al bajo, Elliot Easton a la guitarra, Greg Hawkes a los teclados y David Robinson a la batería.
The Cars debutaron en 1978 con un primer álbum que incluía singles de éxito como “Just what I needed”, “My best friend’s girl” o “Good times roll”. El éxito de The Cars continuó en la siguiente década, hasta su disolución en 1984.
Ocasek publicó siete álbumes en solitario, el último, Nexterday, en 2005. Además colaboró con músicos como Alan Vega o Billy Corgan y produjo a grupos como Weezer, Bad Brains o Guided By Voices.
Ocasek y The Cars fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2018.

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  • COPETE A los 75 años
  • TEMATICA Música

Este miércoles 28 de agosto falleció Jorge "Cocina" Márquez, histórico director murguero de dilatada trayectoria en nuestro carnaval, identificado con el emblemático estilo de La Unión.
Cocina estuvo en La Clásica, Los Patos Cabreros, La Milonga Nacional, La Gran Farola, Los Pierrot´s, Línea Maginot, Don Timoteo, Saltimbanquis, Arlequines, Colombina Che, La Soñada, Araca la Cana y Los Diablos Verdes, según reporta Calle Febrero.
También participó como arreglador coral en la categoría de parodistas y revistas.
Cocina era hermano de otro gran carnavalero: Juan José "Cocina" Márquez, uno de los máximos referentes históricos de Los Patos Cabreros.
"Swing y murga: mi profunda admiración y respeto eterno", escribió sobre el artista Edú Lombardo.

Fuente: DAECPU

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Woodstock. Cuando se escucha ese nombre, uno piensa inmediatamente en el festival de música que se convirtió en uno de los momentos más icónicos de la cultura contemporánea… y no en la pequeña localidad de 171 kilómetros al norte de la ciudad de Nueva York que recibe ese nombre.
El evento, que se prolongó durante cuatro días en una granja lechera hace 50 años, aún genera acalorados debates en Estados Unidos y alrededor del mundo sobre el lugar que debe ocupar en la historia.
Oficialmente denominado la Feria de Arte y Música de Woodstock, el evento fue organizado por un grupo de cuatro empresarios, liderados por el promotor Michael Lang.
El grupo se mostró dispuesto a financiar el evento a la luz del éxito de acontecimientos similares que empezaban a aparecer en Estados Unidos y Europa, como el Festival Internacional de Música Pop de Monterrey, que en 1967 logró reunir a una espectacular lista de grupos y artistas, entre ellos Simon & Garfunkel, The Who o Jimi Hendrix.
Lang y el resto de empresarios imaginaron un evento para 200.000 personas, e incluso después de que en la venta anticipada se vendieran 186.000 entradas a US$18 (alrededor de US$120 al cambio de hoy), no pensaron que mucha más gente acudiría.
De hecho, su objetivo era ya de por sí mucho más ambicioso que anteriores eventos. Monterrey, por ejemplo, tuvo muchos menos asistentes.
Solamente entre 7.000 y 10.000 tuvieron acceso al recinto donde se tocaba la música.
Se estima que 500.000 personas asistieron a Woodstock, que curiosamente se celebró en una granja lechera en la localidad de Bethel, 70 kilómetros al suroeste de la localidad que lleva ese nombre.
El enorme número de gente convirtió el festival, en un principio pensado como una iniciativa de la que sacar beneficio económico, en un concierto gratuito.
Para hacerse una idea de la enorme cantidad de público que acudió, un dato: por unos momentos, el lugar donde se celebró el evento se convirtió en la tercera ciudad más poblada en el estado de Nueva York.
En 1969, los estadounidenses estaban profundamente divididos. Había un creciente malestar causado por la guerra de Vietnam y tensiones raciales que provocaron revueltas en 125 ciudades el año anterior, tras el asesinato de Martin Luther King.
Pese al pánico que invadió a los organizadores y a las autoridades cuando el área de Woodstock preparada para el festival se abarrotó de gente, el evento destacó por su ambiente pacífico.
Se registraron tres muertes: dos por sobredosis de drogas y otra se produjo cuando un espectador, que estaba durmiendo, fue atropellado por un tractor en un campo de heno cercano.
Las cuestiones logísticas no ocasionaron grandes problemas, lo que ayuda a explicar por qué Woodstock destacó.
Varios meses después, la violencia se desató en el Festival Altamont Speedway Free, un evento de California con los Rollings Stones como cabeza de cartel, en el que un asistente fue acuchillado y murió frente al escenario.
Pero, además de sus grandes números y su buen clima, la fascinación por Woodstock también recae en gran parte en el documental oficial grabado durante el encuentro.
Dirigido por Michael Wadleigh y editado por un equipo que incluyó a -entonces- quien se convertiría en uno de los pesos pesados de Hollywood, Martin Scorsese, el filme fue un tremendo éxito comercial, convirtiéndose en la quinta película más taquillera de EE.UU. en 1970.
También ganó el Oscar a Mejor Documental en 1971.
También ayudó que los organizadores de Woodstock lograran un cartel lleno de estrellas: Hendrix, The Who, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash & Young estaban entre los nombres de artistas más destacados.
Hendrix, de hecho, protagonizó uno de los momentos más icónicos del festival, gracias a su magnífica interpretación con la guitarra del himno nacional de Estados Unidos, “The Star Spangled Banner”.
Algunos grupos que eran menos conocidos internacionalmente en la época también acapararon los focos: el legendario Carlos Santana, entre otros, impulsó su carrera gracias a su actuación en Woodstock.
Pese a que no habrá un segundo Woodstock, la marca del festival sigue estando en auge.
El comercio de productos vinculados con el festival original generan ventas de al menos US$ 20 millones al año, según la empresa que ha gestionado la mercadería de Woodstock durante 15 años, Epic Rights.
Y este año se espera que las ventas lleguen a los US$100 millones por la redonda efeméride: 50 años de éxitos.
Fuente: BBC

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  • TEMATICA Mundo

El uruguayo George Hilton, leyenda del spaghetti western, falleció a los 85 años. La noticia fue comunicada a través de la cuenta de Facebook del actor por su pareja, Gabriela, que no reveló las causas de la muerte.
Su verdadero nombre era Jorge Gil Acosta y Lara: había nacido en Montevideo en 1934. Luego de dar sus primeros pasos en el teatro uruguayo en salas como El Tinglado y El Circular, en 1955 emigró a la Argentina.
“Montevideo me quedaba un poco chico porque no había todavía ni televisión ni cine, y me fui a Buenos Aires a probar suerte”, contó en el programa Buen día Uruguay en 2016, cuando en el Festival de Punta del Este se le hizo un homenaje.
Bajo el seudónimo Jorge Hilton, en Argentina trabajó en obras de teatro, telenovelas y en películas como Alto Paraná, El bote, el río y la gente o La procesión. Hasta que en 1963 volvió a emigrar: “El destino me llevó a Italia. Me venía escapando de una situación sentimental muy pesada. Dije ‘voy a comprar cigarrillos’ y no volví nunca más. Fui a Ezeiza, vi que salía un vuelo a Milán, saqué un pasaje y me fui para allá”.
Vivió en Génova y Roma, donde se sumó a la floreciente industria cinematográfica italiana ya con el nombre artístico George Hilton. Ahí trabajó en decenas de películas, en su mayoría spaghetti westerns y giallos. La que lo lanzó a la fama fue Tiempo de masacre (1966), de Lucio Fulci, con Franco Nero.
“Yo andaba muy bien a caballo, porque en Uruguay teníamos estancias. Entonces yo hacía de un borrachín que iba a caballo, disparaba y los mataba a todos, y eso a la gente le encantaba: en los cines aplaudían. Así que empezaron a escribir películas para mí”.
Se convirtió en una de las figuras del spaghetti western, con una popularidad que cruzó las fronteras gracias a personajes como Sartana (Vende la pistola y cómprate la tumba, 1970) o Allelujah (Y ahora le llaman Aleluya, 1971).
“Hasta que dije ‘hay que cambiar piel, no puedo hace siempre westerns, yo que vengo del teatro’. Entonces acepté hacer los famosos giallos, policiales, como La cola del escorpión, que para mí es mi mejor papel, Mi querido asesino o Coartada en disco rojo, con Fernando Rey, en España”.
Luego de alcanzar un pico de ocupación en los años ’70, en las décadas siguientes sus trabajos se fueron espaciando. Su última película estrenada es el telefilme Un coccodrillo per amico, de 2009.

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El actor holandés Rutger Hauer, a quien su actuación en la película de ciencia ficción de 1982 'Blade Runner' elevó al olimpo interpretativo, falleció el 19 de julio a los 75 años tras una corta enfermedad, informó su agente.
Hauer participó en más de 100 películas holandesas e internacionales. Logró un Globo de Oro en 1988 por su papel en 'Escape from Sobibor'. También destaca su interpretación en la producción de Hollywood 'Lady Halcón'.
El agente de Hauer, Steve Kenis, dijo que el actor murió el 19 de julio en su casa en los Países Bajos tras una breve enfermedad. Su funeral tuvo lugar este 24 de julio.
Hauer se hizo famoso en los años 70 por sus películas 'Delicias turcas' (1973) y 'Eric, oficial de la reina' (1977).
Más tarde se mudó a Hollywood, donde desempeñó un papel memorable como el replicante Roy Batty de la película 'Blade Runner' de Ridley Scott, y el de John Ryder en el filme 'The Hitcher' (Carretera al infierno).

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El director de cine y escenógrafo italiano Franco Zeffirelli murió este sábado a los 96 años en Roma, anunció Dario Nardella, alcalde de Florencia, ciudad natal del artista, al que calificó como "uno de los grandes hombres de la cultura mundial".
El director se inició en el mundo del cine de la mano de Luchino Visconti, como ayudante de dirección en tres de sus mejores películas: "La terra trema" (1947), "Bellissima" (1951) y "Senso" (1952), donde confiesa que nació su pasión por el séptimo arte.
Zeffirelli dirigió clásicos como "La boheme" (escenificación de la ópera de Puccini, en 1965); "La fierecilla domada" con Richard Burton y Elizabeth Taylor 1966; "Romeo y Julieta" con Michael York y Laurence Olivier (1968); "Hermano Sol, hermana Luna" (1971); "Campeón" con Jon Voight, Faye Dunaway y Nicky Schrodeer (1978); "Amor sin fin" con Broke Shields (1981) y "Té con Mussolini" (1999), en la que relata su infancia.
Mantuvo una gran amistad que con la soprano María Callas, a quien la dedicó la película "Callas for ever" (2002) y que confesó fue la única mujer de la que estuvo enamorado.
Declarado homosexual, relató en una biografía publicada cuando tenía 83 años su gran amor por Visconti.
Entró en el Parlamento de la mano del partido de Silvio Berlusconi, Forza Italia, y se confesaba conservador por "desesperación anticomunista".
Nació el 12 de febrero de 1923 en Florencia. A su padre solo lo conoció después de la muerte de su madre, Adelaide Garosi, que apasionada de Mozart, quiso darle al niño el nombre del aria de Idomeneo (Zeffiretti), pero el funcionario del registro civil se equivocó y escribió Zeffirelli.
Su madre murió siendo niño y se crió entre mujeres. La niñera, que era inglesa y se llamaba Mary, le enseñó inglés y le inculcó la pasión por Shakespeare.
También fue muy activo en el mundo del teatro y de la ópera como director escénico e incluso diseñador de vestuario. En 1959 dio el gran salto al Covent Garden de Londres, con las puestas en escena de "Pagliacció y "Lucia de Lammermoor".
Como director teatral realizó muchas óperas en los principales teatros líricos de Austria, Alemania, Inglaterra y Estados Unidos, además de los dos principales coliseos italianos, La Scala y la Opera de Roma y en la Arena de Verona.
Para la televisión filmó "Jesús de Nazaret" (1977), en varios episodios rodados en Marruecos y Túnez, y que contó con la aprobación de la Iglesia y el rechazo del Partido Comunista italiano; "Días de destrucción" (1966), y "Fidelio" (1970) y la "Misa Solemnis" (1971), de Beethoven.

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